어떤 2D 기술이 3D 아티스트에게 가장 유리한가요?
전문적인 CG 포럼 에서 항상 문제가되는 질문입니다. 3D로 성공적인 커리어를 이끌어내는 방법을 알아야합니까?
우리가 좌굴을 풀고 대답을하기 전에 다음과 같이 말하겠습니다.
전통 예술이나 디지털 페인팅에서 잘 발달 된 토대 는 3D 아티스트로서의 성공을위한 확실한 자산 입니다 .
이 경우에는 여러 가지 이유가 있습니다. 그림 그리기 기술은 당신을 더욱 다양하게 만듭니다. 이미지의 초기 디자인 단계에서 유연성과 자유를 제공하므로 2D 및 3D 요소를 완벽하게 혼합 할 수 있습니다. 이 도구를 사용하면 포스트 프로덕션에서 이미지를 조정하여 렌더링 엔진에서 얻은 결과를 향상시킬 수 있습니다. 예, 전통적인 2D 기술은 모든 3D 아티스트에게 도움이됩니다.
진정한 질문은 도움이되는지 아닌지입니다. 문제는 배우는 데 걸리는 막대한 시간을 투자할만한 가치가 있는지의 여부입니다.
어렸을 때 (중고등 학교 또는 고등학생) 나는 확실히 말한다. 드로잉 / 페인팅 및 3D 모델링 , 텍스처링 및 렌더링을 모두 포함하는 광범위한 기술을 개발할 수있는 충분한 시간이 있습니다. 이 경우에 당신은 잃을 게없고, 2D 포트폴리오에 시간을 할애하여 얻을 수있는 모든 것을 얻을 수 있습니다.
그러나 당신이 인생에 조금 후에 3D에 빠졌고 그리는 방법이나 페인트하는 법을 배우는 데 정말로 시간을 투자 한 적이 없다면 어떨까요?
어쩌면 당신은 대학에서 3D 소프트웨어 로 어지러운 일을 시작했을까요? 또는 나중에 그것을 발견하고 경력 변화로 추구하고 싶은 결정을했을 수도 있습니다. 이유가 무엇이든간에 다음과 같은 질문을 할 수 있습니다.
버클을 내려 최대한 많은 3D를 가능한 한 빨리 배우는 것이 좋습니까? 아니면 한 걸음 물러서고 견고한 2D 기반을 개발해야합니까?
완벽한 세상에서 우리는 모두 모두 할 것입니다. 원근법, 그림 그리기, 회화 등을 공부하는 데 2 년이 걸릴 수 있고 3D를 공부하기 위해 4 년제 학위 과정에 등록 할 수 있다면 정말 환상적 일 것입니다. 그러나 대부분의 사람들에게 이는 실용적이지 않습니다.
그렇다면 시간이 중요하다면 어떻게해야할까요?
어떤 2D 기술을 집중해야합니까?
궁극적으로, 집중할 시간이있는 2D 아트의 어떤면을 선택하고 선택해야 할 지 모릅니다. 다음은 3D 컴퓨터 그래픽 분야에서 커리어를 시작하는 데 가장 관심이있는 사람들에게 가장 유익 할 2D 아트의 몇 가지 측면입니다.
스케치 및 축소판 반복 : 종이에 많은 아이디어를 빠르게 빠르게 얻을 수있는 것보다 더 중요한 것은 없습니다 . 반복 할 수있는 능력은 백만 달러의 재능입니다. 몇 시간 동안 10 개 또는 15 개의 미리보기 이미지 스케치를 만들 수 있다면 유리한 위치에 놓이게됩니다. 친구들이나 가족, 또는 CG 포럼에서 어떤 것들이 작동하고 어떤 것들은 작동하지 않는지를 알 수 있으며, 여러 스케치의 아이디어를 결합하여 최종 디자인을 만들 수 있습니다.
원근법 : 한편으로는 이것은 다소 비생산적인 것으로 들릴 것입니다. 3D 소프트웨어가 원근감을 자동으로 렌더링 할 때 소중한 시간을 보면서 바라 보는 점은 무엇입니까?
합성. 확장을 설정하십시오. 무광택 그림 (Matte Painting) : 2D 및 3D 요소의 조합에 크게 의존하는 CG의 모든 측면이며, 최종 이미지가 성공하려면 정확한 원근감 연속성이 있어야합니다. 3D로 전체 장면을 모델링 할 시간이 없을 때가 있습니다. 그 때가되면 정확한 원근감 격자에 2D 요소를 배치하는 방법을 알게되어 기쁩니다.
작문 : 좋은 환경이나 인물 디자인은 그 자체로 서있을 수 있지만, 최고 수준의 구성은 종종 훌륭한 이미지와 좋은 이미지를 분리하는 것입니다. 구성을위한 눈은 시간이 지남에 따라 유기적으로 발전 할 것이지만 주제에 대해 책 한 권 또는 두 권 을 수령 할 가치가 있습니다. 스토리 보딩에 관한 책을 찾으십시오. 작곡과 느슨한 스케치 모두에 대한 엄청난 리소스가 될 수 있습니다.
그럴 가치가없는 것들 :
시력에 입각 한 그림 : 느슨하게 말하면, 시력은 당신이 보는 것을 정확하게 그려내는 것을 배우고 있습니다. 대부분의 아틀리에 환경에서 선호되는 드로잉 기술이며, 표현적인 드로잉 및 페인팅이 아티스트의 기본 목표 인 경우 유효한 과정입니다.
그러나 단순히 3D 아티스트로서 향상시키기 위해 그리기 기술을 강화하려는 사람에게는 시력에 끌리는 그림이 상대적으로 작은 가치가 있습니다. 본질적으로 시력은 라이브 모델과 명확한 참조에 완전히 의존합니다.
CG 아티스트로서, 현실 세계에 존재하지 않는 것들, 즉 독창적 인 생물, 판타지 환경, 괴물, 캐릭터 등을 만들어 낼 것입니다. 참조 사진의 복사본을 만드는 법을 배우면 인상적입니다 데모 릴 에서 이미지를 보는 것이지만, 자신의 디자인을 생각해내는 방법을 가르쳐주지는 않습니다.
참조 자체는 매우 중요하지만 자신의 개념으로 변환하는 방법을 배우는 것은 직접 복사하는 것보다 훨씬 더 유용합니다.
프로덕션 수준의 디지털 페인팅 / 2D 렌더링 기술 학습 : 3D로 작업하는 것이 주 목표 인 경우 스케치 또는 축소판을 프로덕션 수준의 아트웍으로 구체화 할 필요가 거의 없습니다. 빛과 그림자를 그리는 방법, 양식을 렌더링하는 방법, 그리고 전문적인 수준의 표면 디테일을 배우는 데는 수년이 걸립니다.
Dave Rapoza처럼 페인트하는 법을 배우고 3D 경력 을 쌓을 것을 기대하지 마십시오. 그 수준에 도달하는 데 수년이 걸리고 많은 사람들이 그 수준으로 나아 가지 않습니다. 컨셉 아트가 전문적으로하고 싶지 않다면, 개인 목표를 달성하는 데 진정으로 도움이되는 것들에 집중하는 것이 좋습니다. 당신은 당신의 집중력을 잃을 위험에 너무 가볍게 퍼지고 싶지 않습니다!
해부학은 어떨까요?
이것은 양심적으로 인간의 해부학을 그리는 법을 배우지 말 것을 권하지 않기 때문에 대답하기 까다로운 문제입니다. 캐릭터 아티스트가 될 계획이라면 해부학을 어떻게 든 배울 필요가 있으며이를 수행하는 올바른 방법입니다.
그러나 Zbrush, Mudbox 또는 Sculptris에서 직접 해부학을 배우는 것이 더 도움이되지 않을 것이라고 말하면서?
근육 기억은 예술에서 중요한 역할을합니다. 종이에 그림을 그리거나 디지털로 조각을 찍는 것과 확실히 겹치는 부분이 있더라도, 그들이 동일하다고 결코 말할 수는 없습니다. 조각 능력을 연마하는 데 시간을 할애 할 때 왜 그림 그리기의 기술을 습득하는데 수백 시간을 소비합니까?
다시 말하면, 드로잉으로 해부학을 배우는 것에 대해 엄격하게 논쟁하고 싶지는 않지만 사실, ZBrush의 스케치는 종이로 스케치하는 것보다 속도가 훨씬 느린 점에 도달했습니다. 고려해야 할 가치가 있다고 생각합니다. Loomis, Bammes 또는 Bridgman과 같은 오래된 마스터를 계속 공부할 수 있지만 왜 3D로하지 않습니까?